Стефания Лоретти — художественная керамика и фарфор

Художественная керамика — новейшая история.

Как известно, термин «художественная керамика» применительно к западной культуре — это обозначение для традиционных керамических форм, таких как вазы, чаши, блюда, дизайн и декор которых отличает их от простых утилитарных изделий. В Японии и Китае произведения художественной керамики известны с 1000 года н.э. или ранее, но в Европе практика ее массового производства восходит лишь к 16-му веку н.э., когда француз по имени Bernard Palissy произвел ярко окрашенные с высоким рельефом глазурованные глиняные тарелки и кувшины в стиле, который известен как майолика (от итал. Majolica — старого названия острова Майорка, через который ввозились в Италию произведения испано-мавританской керамики).

На протяжении веков майолику в основном производили на континенте. Глазурованная майолика была распространена в Испании и, особенно, в Италии, где такие фирмы, как Ginori и Cantagalli, стали ведущими в области ее производства. В Германии известна своей майоликой была Королевская фарфоровая мануфактура, и только в середине XIX века ее начали производить англичане. Майолика быстро завоевала себе популярность среди простых людей. Цвета были ярки, а рельефы часто представляли животных и растения. Некоторые гончарны выпускали чайники, например, в форме цветной капусты. Ставший классикой Wedgwood, любил декорировать поверхности стандартных форм узорами с плетением и рельефной листвой. Хотя, конечно, наибольшую известность приобрели его изделия на классические греческие темы с белыми рельефными фигурами на голубом фоне.

Глазурованная керамика завоевывает Америку.

В Америке увлечение майоликой укрепилось с 19-го века. Как и в Англии, гончары покрывали свои изделия прозрачными блестящими глазурями. Некоторые из известных производителей Пенсильвании — Griffen, Smith & Hill, которые иногда маркировали свои изделия символами «G.S.H.» или обозначали их как «этрусская керамика».Другими американские компании известными своей майоликой во второй половине XIX века, были Morrison & Carr, Chesapeake Pottery, и Edwin Bennett. Они производили блюда для десерта, тарелки для мороженого в форме соломенных шляп, украшенных лентами, и чайники в форме капусты. Одной из популярных форм майолики была кувшин, который иногда проектировали из вертикальных ломтиков широкого бамбука, с тонкими ветвями того же бамбука, используемыми для ручки кувшина. Другие кувшины напоминали снопы колосьев, в то время как сосуды для сиропа часто украшали жирными подсолнухами или охапками листьев и цветов. В изобилии производились тарелки в форме листьев. Листья бегонии, при этом, были особенно популярны. Также изготовлялись коробки в виде сардин, и портсигары, увенчанные афро-американскими фигурками, известными как «черный амур». Животные, особенно, бульдоги и свиньи считались идеальными формами коробочек, в которых можно было хранить табак.

Модерн в майолике.

К 1890-м годам майолика была обогащена изделиями в стиле модерн. Оказалось, что глина особенно подходит для самовыражения в стиле ар-нуво. Ее ковкая органическая природа позволила ремесленникам на рубежа века превращать ее в живые цветочные композиции, линии женского тела и причудливо свитые лозы. Внедрение новых технологий глазурования добавило ярких красок, которые также способствовали выражению чувственности в стиле ар-нуво.

Эти новые движения вдохновили производителей фарфора и столовой посуды по всей Европе и Соединенным Штатам открыть мастерские по производству керамических изделий, в которых одаренным художникам и химикам часто давали возможность экспериментировать, создавать горшки вручную и тестировать новые технологии глазурования.

Некоторые студии сосредоточились на технике глазуровки, стремясь достичь идеального цвета, непрозрачности и текстуры. В частности, процесс обжига часто приводил к непредсказуемым результатам, таким как неравномерный цвет, потеки или блистеры — такие «несовершенства» придавали изделию уникальный характер. Часто горшки делали простой формы, пустые холсты, чтобы затем украсить лепными цветами, текстурами и нарисованными изображениями. Французские мастера в стиле модерн разработали двухцветные мраморные и кристаллические эффектарные глазури, а также глубокие красные и металлические глазури в богатых синих, желтых, оранжевых и пурпурных тонах.

Другие керамисты вкладывают свою энергию в создание уникальных форм для своих сосудов, делая почти воздушные вазы, вдохновленные японской керамикой. Трехмерные эффекты рельефа достигались резьбой по влажной глине, превращаясь в цветущие цветы, стебли растений, животных или женские фигуры. Ручки имели форму свитых лоз, ветвей, листьев или даже соблазнительно выгибающихся женщин. Можно было встретить вазы, имеющие форму птицы или цветочного бутона.

Наконец, в керамике в стиле ар-нуво, производимой крупными фабриками, в отличие от изделий индивидуальных художников, преобладало поверхностное оформление экспериментальными глазурями. Эти изделия были декорированы изображениями под вдохновением венских сепаратистов и художников Югендстиля, а также японского искусства, в том числе, цветущими растениями, экзотическими птицами, такими как павлины, и чрезвычайно популярной женщиной-цветком. Во Франции была построена фабрика по производству роскошной керамики в Севре. Ее формы вдохновлялись женскими фигурами, а также китайской архитектурой и древними турецкими, персидскими и дальневосточными мотивами. Вазы обычно окрашивались в тонкие пастельные тона. Отличительной особенностью некоторых ваз Севрского ар-нуво являются позолоченные бронзовые бортики и накладки, которые подчеркивают оформление сосуда.

В Нидерландах завод Rozenburg внес большие инновации в дизайн форм. Там в 1899 году был представлен замечательный «фарфор яичной скорлупы», на самом деле чрезвычайно тонкий и легкий глиняный, укрепленный глазурью изнутри и снаружи. Эта прекрасная и нежная керамика представила замысловатые и прекрасные образы цветов, насекомых и птиц, расписанных S. Schellink и R. Sterken. Работавший там архитектор, гончар и текстильный дизайнер Theodoor Colenbrander покинул Rozenburg, чтобы сформировать свою собственную Gouda Ceramic Factory. Он находил стиль ар-нуво особенно подходящим к его вкусам, поскольку он предпочитал смелые цвета и формы, вдохновленные яванскими изделиями из батика. Крупные немецкие производители, такие как Meissen and Konigliche Prozellan Manufaktur, воспользовались популярностью стиля модерн и начали применять декоративную живопись на своих вазах.

Goldscheider в Австрии и Royal Dux в Чехословакии, специализировались на скульптурных фигурках. Некоторые из самых популярных керамических изделий из богемского ар-нуво были сделаны компанией Reissner, Stellmacher & Kessel (R.S.K.). Эта керамика известна экзотическими и органическими формами с резными или рельефными украшениями из цветущих и плодоносящих растений, окрашенными яркой эмалью. Ручки представляли причудливо изогнутые ветви растений. Рисованные украшения, вдохновленные Югендстилем, часто представляли мечтательное, бледное лицо женщины, окруженное локонами длинных волос и позолоченным ореолом. Этот стиль был настолько популярен, что R.S.K. применили его и к настенным маскам, скульптурным фигурам и глиняным сосудам, украшенным кабошонами.
Другая инновационная чешская компания Zsolnay сделала прорывы в люстровых и радужных глазурях. Владелец Vilmos Zsolnay привлек самых талантливых иностранных ремесленников и ученых-химиков, которые помогли ему представить широкую линию мраморных, переливчатых и кристаллических глазурей. Наиболее популярной из них была радужная глазурь, известная как «eosin».
В Англии керамист William Moorcroft широко использовал технику контурного рисования для своей популярной линии керамики «Florian» в стиле ар-нуво, предлагая образы, вдохновленные этрусскими, классической римской и дальневосточной керамикой, с тонкой линией цветных узоров.
Дизайнер Christopher Dresser также использовал контурную прорисовку для своей работы в студии Minton Art Pottery. Крупнейшая фабрика по производству глазурованной керамики Doulton & Co. открыла студию на юге Лондона в 1871 году для производства изделий ручной работы в стиле ар-нуво. Благодаря своей близости к школе искусств Lambeth и сотрудничеству с ней, в студии сформировался талантливый пул художников и дизайнеров. Эти художники могли сами выбирать форму и декор ваз, которые они создавали. Их сосуды обычно были просты по форме и украшены рисунками флоры или фауны.
В Соединенных Штатах Rookwood, один из крупнейших производителей керамики в стране, не принял философию ручной работы в стиле модерн, но стремился развивать его по-своему. Компания наняла лучших химиков и дизайнеров, чтобы разработать инновационные рецепты глазурей и новые декоративные приемы. Первый прорыв был сделан художницей Laura Fry, которая придумала размытый фон. Ее наиболее успешные линии в стиле модерн включают в себя цветочные «Iris Glaze» и работы в технике «Vellum Glaze».
Louis Tiffany также создавал художественную керамику, но в отличие от своих стеклянных и витражных ламп, это единственная область, в которой он не был успешен. Он никогда не покрывал свою керамику красивыми изображениями; он хотел, чтобы ее формы и глазури говорили сами за себя, хотя в его более поздних произведениях были и рельефные изображения, такие как рогозы, цветочные розетки или рыба, плавающая в ручье. Возможно, самым замечательным американским гончаром этого периода является George Ohr, штат Миссисипи, художник, который создавал потрясающе современные и ярко окрашенные сосуды с тонкими, как бумага, стенками, которые сминаются, скручиваются и слоятся в потрясающих органических формах. George Ohr сам добывал глину, создавал свои глазури и даже построил свою керамическую печь.
William Grueby также создал собственную американскую линию керамики в стиле ар-нуво. Когда он открывал свою компанию Grueby Faience Co. в Бостоне, его целью было достижение «органического натурализма». Его фирма создала прекрасные вегетативные матовые глазури, и ее изделия выглядели так, словно они были сделаны из широких живых листьев и тыкв.
Хотя горшки обычно были зелеными, Grueby также использовал свои высококачественные матовые глазури в разных цветах для изготовления прекрасной керамической плитки.
В XX веке художественная керамика, особенно в Европе, кажется почти на грани помешательства. Шведская гончарное искусство первой половины XX века имеет сильное влияние стилей ар-нуво и ар-деко, а датская керамика обрела модернистскую эстетику еще до того, как ее современное движение укрепилось после Второй мировой войны. Крупнейшей фабрикой керамики в Швеции был Gustavsberg, чьим ведущим дизайнером в конце 19-го века и в первой половине 20-го был Josef Ekberg. Ранние вазы Ekberg отличались цветочными и декоративными украшениями в стиле ар-нуво с использованием техники sgrafitto. Позднее, изделия с 1920-х годов имели меньше украшений, но их часто покрывали переливчатыми глазурями.
Протеже Эксберга, Wilhelm Kage, известен своими высокими геометрическими вазами в форме веретена, которые сидят на подрезанных основаниях, напоминающих маленькие перевернутые цветочные горшки. Еще более модернистской были работы Berndt Friberg и Stig Lindberg, но самым признанным дизайнером Густавсберга, несомненно, была Lisa Larson, которая с 1954 по 1980 год создавала для компании статуэтки стилизованных домашних и диких животных. Сегодня Larson и ее помощники продолжают работу в ее студии.
Другим крупным шведским производителем керамики был Rorstrand, чья керамика 1940-х и 50-х годов, созданная Gunnar Nylund, превратилась из предметов, вдохновленных ар-деко, в биоморфные наклонные чаши и луковичные вазы, которыми так известен Rorstrand. Другой дизайнер Rorstrand в середине столетия, Carl-Harry Stalhane, создавал более геометрические формы, производя вазы в 1950-х годах, которые в ретроспективе напоминают посадочные модули NASA 1960-х.
Традиции художественной керамики в Дании еще более глубоки. Такие фабрики, как Royal Copenhagen и Bing & Grondahl, использовали таких дизайнеров, как Axel Salto. Его «Budding» и фигуры в форме тыквы в 1930-х годах, возможно, наиболее известны. Nils Thorsson провел более 60 лет в Royal Copenhagen, создавая линию Marselis годах для компании Aluminia.
Одной из самых востребованных марок датской художественной керамики являются вазы и миски, выпущенные в период с 1930 по 1968 год Saxbo, Который был основан Nathalie Krebs. Бывший химик по глазурям в Bing & Grondahl, Krebs создала многие из элегантных форм Saxbo, которые варьировались от бутылочных ваз до звездчатых чаш.
В послевоенной Западной Германии в 1960-х и 70-х годах появился стиль, известный как «fat lava». Этот стиль получил свое название от толстых многоцветных глазурей, типичных для этой керамики. Изделия выглядят так, как будто их поверхности состоят из застывших потоков лавы в ярких оттенках от огненно-красного до кобальтового синего. В то время как глазури эти известны, как потечные глазури, «жирными» их стали называть в результате увлеченности публики особенно толстыми и текстурированными. В такой технике призводили большие напольные вазы, односторонние кувшины (некоторые с кольцевыми ручками) и скульптурные композиции, которые сочетали в себе гладкие и текстурированные поверхности. Некоторые изделия в стиле «fat lava», по-видимому, являются отголосками эстетики макраме и раку культуры хиппи 1960-х годов, в то время как у других просматривается постмодернистский, почти поп-культурный след.
При подготовке статьи использованы материалы  collectorsweekly.com.